„L‘Orfeo“ von Claudio Monteverdi ist eine der frühesten Opern. Es ist die Geschichte von Orpheus und Eurydike, einem jungen Liebespaar, das vom Schicksal getrennt, erneut auf die Probe gestellt wird. Möglichst originalgetreu, wie zur Uraufführung mehr als 350 Jahre zuvor soll sie 1975 wieder erklingen. In Zürich auf der Bühne und später in Wien als Film-Produktion. Eine radikale Vision des österreichischen Dirigenten Nikolaus Harnoncourt, inszeniert von Star-Regisseur Jean-Pierre Ponnelle.

Harnoncourt holte das historische Klangereignis zurück. Akribisch suchte er Musikerinnen und Musiker alter Instrumente zusammen und vereinte sie zu einem Ensemble. Es gelang ihm die Oper nicht nur verständlich, sondern fesselnd erklingen zu lassen. Dramatischer, unmittelbarer, direkter als es jede Modernisierung gekonnt hätte. Harnoncourt zeigt mit seiner Historischen Aufführungspraxis, dass die scheinbar so alte, so vergangenen Musik des frühen Barock dann am klarsten zu einem heutigen Publikum spricht, wenn man sie mit den Instrumenten, den Spieltechniken und im Bewusstsein der künstlerischen Absichten der Zeit ihrer Entstehung zum Klingen bringt.

Ponnelle, der schon in jungen Jahren Bühnenbilder für Monteverdi-Opern entwirft, verwandelt die Welt des Orpheus-Mythos in ein wildromantisch bis düsteres Schlaraffenland mit antiken Anspielungen. Opulente Kostüme treffen auf eine lebendig szenische Umsetzung und ein Spiel voller Leidenschaft.

Herausragende Sängerinnen und Sänger wie Anna-Lucia Richter, Rolando Villazón, Elsa Benoit und Äneas Humm sowie Nikolaus Harnoncourts Sohn Philipp kommentieren die legendäre Inszenierung von vor 50 Jahren.

Kann Musik tatsächliche eine Rolle in der Diplomatie spielen, gar Veränderungen bewirken? Ein Fax aus dem nordkoreanischen UN-Büro scheint dafür den Weg zu ebnen: 2008 laden die Machthaber in Pjöngjang die New Yorker Philharmoniker ein – 55 Jahre nach dem Koreakrieg zum ersten großen kulturellen Austausch zwischen den USA und Nordkorea. Was zunächst wie ein Scherz wirkt, wandelt sich zu einem der außergewöhnlichsten Konzerte der Musikgeschichte.

48 Stunden in der hermetisch abgeriegelten Hauptstadt erleben die Musiker ein Land wie aus der Zeit gefallen. Violinistin Lisa Eunsoo Kim beschreibt die Ankunft: „Es fühlte sich nicht wie ein normaler Flughafen an“. Sie war überrascht vom Einsammeln der Pässe und Handys. Die Musiker erfahren, wie stark die Kontrolle über die Gäste ausgeübt wird. „Wir durften das Hotel nicht verlassen, und wer spazieren gehen wollte, wurde sofort zurückgepfiffen“, erinnert sich der Fernsehregisseur Michael Beyer.

Im Großen Theater von Ost-Pjöngjang herrscht anfangs eisige Förmlichkeit. Das Publikum wirkt vorsichtig, zurückhaltend – ein deutlicher Kontrast zu den gewohnten Konzertreisen in Asien. Doch Chefdirigent Lorin Maazel schafft es, im Laufe des Konzerts die Barrieren zu durchbrechen. „Mein Vater spielte viel in der Sowjetunion“, so sein Sohn Leslie Maazel, „er ist damals überzeugt: Musik verstehen und fühlen alle – sie kann die Tür für Dialoge öffnen.“

Die Programmauswahl erweist sich als diplomatischer Geniestreich. „Der Ablauf war sorgfältig zusammengestellt,“ erinnert sich Dietlinde Turban-Maazel, „es entwickelte sich von den Nationalhymnen zum ernsteren Dvořák.“ Antonín Dvořáks Sinfonie „Aus der Neuen Welt“ – komponiert von einem Tschechen in Amerika – wird zur perfekten Brücke zwischen den Welten. Dirigentin Lidiya Yankovskaya erklärt die emotionale Bandbreite des Werks, das Menschen unabhängig von ihrer politischen Situation berührt. Maestro Maazel Dirigierstil zeichnet für die Violinistin Bomsori Kim von seiner intellektuellen Präzision und emotionaler Tiefe.

Besonders bewegend: Für Leonard Bernsteins Candide-Ouvertüre tritt Lorin Maazel vom Pult zurück. Er lässt es bewusst ohne Dirigent gespielt – eine subtile Botschaft über Selbstorganisation ohne „großen Führer“.

Der Höhepunkt kommt mit „Arirang“, einem koreanischen Volkslied. Hier bricht endgültig der Bann: Das Publikum zeigt Emotionen, der kulturelle Austausch gelingt. Trotz aller politischen Spannungen beweist das Konzert die verbindende Kraft – eine Sternstunde der Musik.

Zwei Künstlerpersönlichkeiten, wie sie auf den ersten Blick unterschiedlicher kaum sein könnten: Martha Argerich, die – sitzt sie einmal am Klavier – mit bezwingender Virtuosität und genialer Impulsivität den Konzertsaal unter Strom setzen kann, die abertausend Tode stirbt, bevor sie die Bühne betritt, und die nichts weniger liebt, als öffentlich über sich und ihre Kunst zu sprechen. Und Daniel Barenboim, dessen schwindelerregende Vielzahl von Aktivitäten am Pult, am Klavier, in Politik und Lehre begleitet wird von der Freude an der medialen Vermittlung. Argerich, die in der Öffentlichkeit scheu und am Klavier so extrovertiert ist, und Barenboim, der die Aura des selbstgewissen Maestros ausstrahlt und der – besonders als Solist am Klavier – durch seine Kunst der Versenkung und Introspektion, durch die stillen Töne aufhorchen lässt.

Beide verbindet von Jugend an eine an musikalischen Sternstunden reiche Künstlerfreundschaft. Was geschieht, wenn diese so unterschiedlichen Persönlichkeiten ein Piano Duo bilden?

Im Jahre 2014 kam es im Teatro Colón zu einem denkwürdigen Konzert der beiden Ausnahmekünstler an zwei Klavieren. Gemeinsam hatten die beiden Superstars beinahe überall auf der Welt schon gemeinsam gastiert – nur nicht in ihrer Heimatstadt. Ihr erstes gemeinsames Auftreten in Buenos Aires geriet zu einer musikalischen Sternstunde und zu einer Art Volksfest gleichermaßen.

Elena Bashkirova, Ehefrau von Daniel Barenboim und selbst gefeierte Pianistin, erinnert sich daran, wie „das Publikum völlig aus dem Häuschen geriet“ und welch besonderes Ereignis das Konzert auch für Argerich und Barenboim selbst war, „weil die beiden sich nirgendwo so zuhause fühlen wie dort“.  Auch Kian Soltani kann sich gut an die Elektrizität erinnern, die an jenem Abend in der Luft lag, denn er stand bei einem Stück mit erweiterter Besetzung an diesem Abend mit auf der Bühne. Lang Lang und Gabriela Montero haben selbst mit diesen Künstlern konzertiert, auch als Piano-Duo, und sprechen darüber, was die besondere musikalische Chemie zwischen Martha Argerich und Daniel Barenboim ausmacht, und das „Geister Duo“ – die Gewinner des ARD-Musikwettbewerbs 2021 – geben Einblicke in die besondere Kunst des Spiels als Piano Duo.

Während ihres Aufenthalts in Buenos Aires gingen Argerich und Barenboim auf Spurensuche nach Orten ihrer Kindheit, wo sie sich kennenlernten.

Und wie erinnert sich Daniel Barenboim selbst an das Konzert? Er lacht: „Mit Martha ist es total einfach. Das ist nicht mit jedem so. Man kann sich in sie nur verlieben.“

Sendetermin bei ARTE: 21. Juni 2025 um 22:50 Uhr, 6. Juli 2025 um 17:50 Uhr

Aus Alt mach Neu – ein bewährtes Prinzip, doch darf man das auch mit Vivaldis legendären Vier Jahreszeiten machen? Die Antwort von Organistin Anna Lapwood dazu ist eindeutig: „Nichts ist unantastbar!“ Der Komponist Max Richter rechnet nach der Veröffentlichung seines Albums „Recomposed“ zunächst mit heftiger Kritik. Doch das Gegenteil tritt ein, er hat einen Nerv getroffen: Über 450 Millionen Streams, Konzerte in klassischen Sälen wie auch in Clubs wie dem Berghain Berlin oder dem Poisson Rouge in New York, und die Verbreitung einzelner Tracks in der Serie Bridgerton zeugen vom Erfolg der Neuinterpretation.

Was berührt die Menschen, wenn sie RECOMPOSED hören? In dieser Sternstunde begeben sich prominente Künstler:innen und Zeitzeug:innen auf eine Reise durch die Musik, erinnern sich an spielerische Herausforderungen und persönliche Highlights und erklären, wie der britische Komponist Max Richter Hand an das 300 Jahre alte Werk gelegt hat.

„Für mich gibt es keine großartigere Musik als Vivaldis Vier Jahreszeiten“, erzählt Violinist Daniel Hope, „aber als ich Max‘ Partitur in der Hand hielt, ist mir klar geworden, warum er das tun musste.“ Beim Anblick der Filmaufnahmen erinnert sich auch Konzertmeister Werner Ehrhardt daran, wie schwer es war den Vivaldi-Autopiloten abzustellen.

Richters Neukomposition fasziniert den Hardcore-Vivaldi-Fan und Mandolinist Avi Avital genauso wie Technoproduzent Stimming, der mit klassischer Musik sonst nichts am Hut hat: Auch für ihn ein neues Klangerlebnis.

Max Richter kann man in keine Schublade stecken, dessen ist sich Komponist Malakoff Kowalski sicher: „Immer dann, wenn ihm der höfische Kram aus Vivaldi nicht passt, geht er in die minimalistische Musik, in die neoklassische Wendung, in die Filmmusik“. Dann gibt es die Sätze von Vivaldi, die zeitlos sind und die Max Richter deshalb mit Samthandschuhen anfasst.

Für die Violinistin Esther Abrami bedeutet RECOMPOSED vor allem: Freiheit. Strenge Erwartungen an barocke Spielweisen gelten nicht mehr. Das spürt auch die Choreographin Ana Isabel Casquilho, die für Ballettproduktionen zu Vivaldis wie auch Richters Vier Jahreszeiten choreographiert hat.